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God Is An Astronaut “Epitaph” [Nota: 7/10]

Diogo Ferreira

Publicado há

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369642Editora: Napalm Records
Data de lançamento: 27 Abril 2018
Género: post-rock

Com 16 anos de carreira, os irlandeses God Is An Astronaut (GIAA) têm reinado no campo do post-rock com bons álbuns atrás de bons álbuns e o novo “Epitaph” não é excepção. Um epitáfio pode significar o fim de algo, mas nada faz crer que seja o fim da banda – o acabar de uma era para se renovar talvez, mas o término de tudo não. À medida que o álbum se desenrola, e durante o decorrer desta análise, já iremos perceber que tipo de epitáfio conceptual é este…

Ao longo de sete faixas, os GIAA transfiguram a sua condição humana e tornam-se em seres espirituais que se interligam com as movimentações do Universo. Inscrição poética à parte, a banda irlandesa tira-nos do deambular mundano para um ambiente de levitação através do seu rock etéreo, das soundscapes emotivas e das dinâmicas sonoras estruturadas entre o atmosférico e o riff pesado de uma guitarra eléctrica.

Cada tema pode ser uma jornada unilateral – por exemplo, a última “Oisín” representa uma homenagem ao primo de Torsten e Niels que viu a sua vida terminar com apenas sete anos –, mas por todo este “Epitaph” há uma temática corrente dividida em duas palavras: dor e perda. Com vários arranjos de piano e alguma electrónica no discorrer desta proposta, o tema-título – que inaugura o disco – define logo à cabeça um estado de espírito que personifica luto, e mais tarde, na sexta “Medea”, somos envolvidos por um exercício ambient ao longo de 6 minutos e 58 segundos que têm o seu clímax num confronto entre uma malha de guitarra sludgy e uns acordes cintilantes de outra. Indo um pouco mais atrás, a segunda e bela “Mortal Coil” deverá ser a faixa mais straight em relação ao post-rock com os seus instrumentos orgânicos que se iniciam calmos e melódicos, mas que se encaminham, por fim, para uma explosão musical densa e melancólica.

Sem a utilização de letras/vozes, a interpretação deste álbum dos GIAA poderá ficar ao cargo de cada ouvinte, ainda que a directriz seja dor e perda; logo, não é fácil afirmar se “Epitaph” se adequa a momentos de paz interior ou a prantos de choro quando a vida não nos corre bem – o que é certo é que é um disco que dá prazer ouvir e o sentimento que dele tiramos relaciona-se com aquilo que somos em determinada altura, mesmo que a banda tenha delineado um fio-condutor a priori.

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Dead Witches “The Final Exorcism”

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Editora: Heavy Psych Sounds
Data de lançamento: 22 Fevereiro 2019
Género: doom metal

O novo lançamento destes italo-britânicos vem cheio de expectativa após o sucesso do seu álbum de estreia, “Ouija”, lançado em 2017. Um dos traços mais prementes da banda é a pegada musical de Mark Greening, na bateria, que fica cada vez maior de álbum para álbum. O ex-Electric Wizard continua a dar à banda um percurso de doom metal, com uma mistura de rock psicadélico e uma temática de metal quase ‘depressivo e obscuro’ .

Agora, para este “The Final Exorcism”, a banda foi remodelada com a entrada de dois novos membros – Oliver Irongiant e Soozi Chameleone, na guitarra e vocal respectivamente. Enquanto no primeiro álbum a fórmula podia não ser a mais original possível – reproduzindo muito do clássico doom metal depressivo e eléctrico que vem sendo produzido -, em “The Final Exorcism”, o grupo inova um pouco com mais guitarras e uma expressão vocal mais clínica, audível e produzida.

Em termos de produção, este álbum bate o disco de estreia, existindo uma maior preocupação em tornar os instrumentais e a coesão de grupo o mais perceptível possível, o que motiva a mais audições. É um álbum que, rapidamente, capta a atenção do ouvinte com uma intro quase a roçar o sentido de alerta dos ouvintes para os preparar para o que se segue. A faixa homónima traz um pouco da ‘tempestade depressiva e agressiva’ que os Dead Witches nos têm, para já, habituado sem alguma vez comprometerem o caminho iniciado em “Ouija”; a faixa torna-se ainda mais especial devido ao seu último minuto e meio com a inclusão de falas do filme “Exorcista” e uma maior atenção para a guitarra, que se torna bem mais eléctrica. Sendo um disco curto, com apenas 40 minutos de duração, na terceira faixa chegamos rapidamente a meio de “The Final Exorcism”, destacando-se neste tema os trejeitos quase épicos de uma composição puramente eléctrica e com um doom metal mais apurado. A segunda metade do álbum apresenta o melhor da jovem banda – que ainda está meio em work in progress – com três faixas quase épicas, libertando o grupo e o álbum para uma atmosfera mais madura e rica, com letras mais significativas e críticas, com destaque principal para “Fear The Priest”.

Em jeito de conclusão, “The Final Exorcism” é uma evolução face ao álbum de estreia. A banda reformulou a formação e parece que ficou a ganhar com a mudança. O segundo disco é mais maduro, trabalhado e criativo, com a inclusão de um estilo mais eléctrico e com mais foco na guitarra. É um trabalho a ouvir e garantimos que os fãs não vão ficar desapontados.

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Ghost Ship Octavius “Delirium”

Diogo Ferreira

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Editora: Mighty Music
Data de lançamento: 22 Fevereiro 2019
Género: metal progressivo

Michael H. Andersen, CEO da dinamarquesa Mighty Music, gostou tanto deste álbum dos Ghost Ship Octavius (GSO) que seria impossível deixá-lo viver, e sobreviver, nos ambientes independentes; por isso, e com lançamento original em Setembro de 2018, a editora liderada por Andersen está prestes a redistribuir “Delirium” como ele merece neste mês de Fevereiro.

Fundados em 2012 pelo guitarrista Matthew Wicklund (ex-God Forbid, ex-HIMSA), pelo baterista Van Williams (ex-Nevermore) e pelo vocalista/guitarrista Adōn Fanion, os GSO prometem tornar-se no projecto mais charmoso do prog melódico oriundo dos EUA. Não só melódico, mas também melancólico e emocional – como é exemplo o sofrido refrão de “Chosen” -, este segundo álbum do trio constrói-se através de malhas e ganchos encorpados que, no seu devido tempo e espaço, dão lugar a solos memoráveis e técnicos. Já a bateria é do mais Nevermore imaginável, mas aqui com um toque deveras experimental e explorador, o que se revela no tema-título devido ao método vocal e também pela forma como as guitarras são tocadas. Atmosférico a toda a largura (ouvir a power-ballad “Edge of Time”, em que até é incluído um segmento final semiacústico a fazer lembrar Porcupine Tree), a esperança e uma imagética fantasmagórica andam de mão dada até aos confins de um resultado final que se quer aconchegante mas árctico ao mesmo tempo.

GSO é obviamente indicado para fãs de Nevermore, mas também para uma fase mais recente de Kamelot, sem esquecer influências recebidas de Pain Of Salvation.

Nota Final

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Avantasia “Moonglow”

Diogo Ferreira

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Editora: Nuclear Blast
Data de lançamento: 15 Fevereiro 2019
Género: power metal sinfónico

Com 41 anos, Tobias Sammet é dos compositores e vocalistas mais respeitados na Alemanha dentro do panorama hard rock e heavy metal. Este caminho iniciou-se em 1992 com os reconhecidos Edguy e ganhou enorme visibilidade quando em 2001 e 2002, como Avantasia, lançou as duas partes da “Metal Opera”, uma história fantástica no encalço de salvação que incluiu dezenas de artistas inigualáveis, como Michael Kiske, Kai Hansen, Timo Tolkki, André Matos, entre muitos outros. O sucesso ditou que o projecto megalómano não iria ficar por aí, seguindo-se mais seis álbuns, em que se inclui a novidade “Moonglow” neste lote. Nesta nova aventura, Sammet chamou a si vozes como Michael Kiske, Jørn Lande, Geoff Tate, Hansi Kürsch, Mille Petrozza ou Candice Night.

Longe vão os tempos dos gloriosos coros, dos debates entre personagens e da velocidade estonteante do power metal magicado por Sammet, mas ao fim de quase 20 anos também é evidente que o alemão pretende desenvolver novas tácticas musicais e manter-se no rumo da evolução natural da indústria. Ainda assim, e caso tenhamos saudades dos dois primeiros discos, há refrãos energéticos e catchy a rodos, solos de guitarra, segmentos complexos de baixo e arranjos orquestrais que se desdobram em introduções/interlúdios electrónicos. Porém, e recuperando uma das observações feitas atrás, o que mais sentimos falta é dos diálogos entre personagens vincadas – hoje em dia, é como se cada convidado tivesse que cantar a sua parte e já está. Não quer isso dizer que o tenham feito por favor e que Avantasia seja a autocracia de Tobias Sammet, mas é uma lacuna que os fãs acérrimos vão notar. Todavia, apontamos a épica “The Raven Child” (com Jørn Lande e Hansi Kürsch) como o pináculo musical de um álbum que bebe do hard rock dos 80s em porções generosas e, claro, de musicais à Broadway.

Quase duas décadas depois, o projecto Avantasia não perdeu a noção de fantasia – e “Moonglow” até consegue oferecer um sentido noctívago e por vezes medieval -, mas sente-se que agora é mais um conjunto de boas músicas do que propriamente uma história corrida que nos faz fugir da realidade ao ponto de conseguirmos mentalmente percorrer estradas, florestas e montanhas à procura de um qualquer artefacto que salvará o mundo de poderes malignos.

Nota Final

 

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